Концерт (итал. concerto) - музыкальное произведение, обычно в трёх частях, в котором, как правило, один сольный инструмент (например, фортепиано или скрипка) сопровождается (противопоставляется) оркестром. Слово,вероятно, произошло от латинского "concertare", означающее одновременно "на спор" или "работать вместе". Это двойное понятие конкуренции и сотрудничества лежит в основе данной музыкальной формы с самого её начала, хотя в разные периоды акцент изменялся от одного к другому.

История концерта

1. Происхождение и ранняя история концерта.
В конце 16-го века термин "концерт" чаще всего употребляется в смысле сотрудничества, обозначая музыку для вокальных ансамблей или для смешанных вокально-инструментальных групп. Самыми первыми опубликованными концертами являются "Концерты Андреа и Джованни Габриелли" (Concerti di Andrea, et di Gio. Gabrieli, organisti,Венеция,1587) - коллекция церковной музыки и мадригалов для большого количества исполнителей. Следующие "Сто церковных концертов" (Cento concerti ecclesiastici,Венеция,1602) Лодовико Гросси да Виадана применяют тот же принцип, но для меньших ансамблей. На протяжении 17-го века термин был использован в этом смысле не только в Италии, но также в Германии, где "духовный концерт" (geistliches Konzert) стал важным жанром в протестантской церковной музыке. 
Чисто инструментальные концерты имеют свои истоки в последних двух десятилетиях 17-го века, когда композиторы в различных итальянских городах стали использовать технический и текстурный контраст между солистами и полным оркестром (тутти) в струнных оркестрах. Особенно влиятельными были оркестровые сонаты для трубы композиторов из Болоньи Маурицио Каццати и Джузеппе Торелли, пьесы которых отличались резким текстурным контрастом, блестящими пассажами и тематическими диалогами, заменившими контрапунктическую идиому сольной сонаты. Четкий и энергичный мелодический стиль для духовых быстро трансформировался для струнных инструментов в работах Торелли и стал отличительной чертой концертов позднего Барокко.

2. Кончерто гроссо.
В Италии развивались два различных типа инструментальных концертов. На севере основной струнный четырёхгруппный оркестр дополнялся солистом из своего состава (как правило первые скрипки) (концертино). В Риме ядро оркестра из двух скрипок, виолончели и басового инструмента могло быть усилено большой группой струнных инструментов (рипиено). От этой римской практики появился кончерто гроссо. Ведущим композитором в становлении концертов был Арканджело Корелли, который начал сочинять концерты ещё в 1680-х годах, и эта форма сохранилась до наших дней. Несмотря на текстурные контрасты между концертино и рипиено, различие в стиле и композировании были небольшие и эти работы описывались как "усиленные" трио-сонаты. Как и в своих сонатах, Корелли сохранил различие между камерными и церковными концертами (с танцевальными частями и без танцевальных частей соответственно), но ни в одном типе нет фиксированного количества и порядка частей. Концерты Корелли быстро вошли в моду и распространились по Европе, ещё в 1682 году Георг Муффат опубликовал сборник "Armonico Tributo" в Зальцбурге и принёс римский концертый стиль в Германию. В Англии Корелли стал культовой фигурой, его творчество представляли Франческо Джеминиани и Георг Гендель, чьи собственные "Двенадцать больших концертов" (1739) являются вершиной развития кончерто гроссо в стиле Корелли.

3. "Ритурнель" концерт.
Более прогрессивное развитие концерта было достигнуто группой венецианских композиторов в начале 18 века. В 1700 году Томазо Альбинони выпустил коллекцию сольных скрипичных концертов, которые состояли из трёх частей (быстро-медленно-быстро). Его примеру последовал Антонио Вивальди, чьи 600 концертов используют яркий оркестровый язык совместно с новыми стандартами виртуозности в сольных партиях. 12 революционных струнных концертов "L'estro armonico" Вивальди были первыми, которые сделали регулярным и изящным использование принципа ритурнель. Ритурнель - повторяющийся пассаж, полностью исполняемый в начале движения и неоднократно повторяющийся, полностью или частично, для подчеркивания сольной секции и выделения различных тональных центров, через которые проходит музыка.

Привлекательность этого принципа заключается в его способности эффективно подать "конкуренцию" между соло и тутти в соединении с тональным планом части и в его гибкости в организации музыкальной идеи всего произведения. Принцип может быть использован для любого сочетания инструментов (и/или голоса), в то время как скрипка была сольным инструментом в большинстве концертов в начале века, репертуар быстро развивался почти для всех других оркестровых инструментов. С другой стороны, этот метод может быть применен к частям и произведениям, где отсутствует явный солист, таких как "Бранденбургский концерт № 3" И.С. Баха, или, наоборот, отсутствует тутти, как в "Итальянском концерте для клавесина" того же И.С.Баха.

Концертами Вивальди восхищались во всей Европе, особенно в Германии, где им широко подражали. Бах развил принципы Вивальди, сделав уникальные по сложности и гибкости концерты, обозначившие кульминацию ритурнель концертов эпохи Барокко. Он был одним из первых композиторов, создавших клавирные концерты (для клавесина или клавикорда), заложив тем самым основу для превосходства клавиатурных (фортепианных) концертов во второй половине 18 века.